אמנים אמריקאים. 7 מאסטרים שהפתיעו את העולם
תוכן:
אמנים אמריקאים מגוונים מאוד. מישהו היה קוסמופוליטי מובהק, כמו סרג'נט. הוא אמריקאי במוצאו, אבל גר כמעט כל חייו הבוגרים בלונדון ובפריז.
יש ביניהם גם אמריקאים אותנטיים, שגילמו את החיים של בני ארצם בלבד, כמו רוקוול.
ויש אמנים שלא מהעולם הזה, כמו פולוק. או כאלה שהאמנות שלהם הפכה לתוצר של חברת הצריכה. זה, כמובן, על וורהול.
עם זאת, כולם אמריקאים. אוהב חופש, נועז, בהיר. קרא על שבעה מהם למטה.
1. ג'יימס ויסלר (1834-1903)
בקושי אפשר לקרוא לוויסלר אמריקאי אמיתי. כשגדל, הוא חי באירופה. ואת ילדותו הוא בילה בכלל... ברוסיה. אביו בנה מסילת רכבת בסנט פטרבורג.
שם התאהב הילד ג'יימס באמנות, וביקר בהרמיטאז' ובפטרהוף הודות לקשריו של אביו (אז הם עדיין היו ארמונות סגורים לציבור).
למה ויסלר מפורסם? בכל סגנון שהוא מצייר, מריאליזם ועד טונליזם*, ניתן לזהות אותו כמעט מיד על ידי שתי תכונות. צבעים יוצאי דופן ושמות מוזיקליים.
חלק מהפורטרטים שלו הם חיקויים של אדונים ותיקים. כמו, למשל, דיוקנו המפורסם "אמא של האמן".
האמן יצר עבודה מדהימה תוך שימוש בצבעים החל מאפור בהיר ועד אפור כהה. וקצת צהוב.
אבל זה לא אומר שוויסלר אהב צבעים כאלה. הוא היה אדם יוצא דופן. הוא יכול בקלות להופיע בחברה בגרביים צהובות ועם מטריה בהירה. וזה כאשר גברים לבושים אך ורק בשחור ואפור.
יש לו גם יצירות קלות בהרבה מ"אמא". לדוגמה, סימפוניה בלבן. אז התמונה נקראה על ידי אחד העיתונאים בתערוכה. ויסלר אהב את הרעיון. מאז, הוא כינה כמעט את כל היצירות שלו בצורה מוזיקלית.
אבל אז, ב-1862, הציבור לא אהב את הסימפוניה. שוב, בגלל ערכות הצבעים הייחודיות של ויסלר. זה נראה לאנשים מוזר לכתוב אישה בלבן על רקע לבן.
בתמונה אנו רואים את המאהבת ג'ינג'ית של ויסלר. ממש ברוח הפרה-רפאלים. אחרי הכל, אז האמן היה מיודד עם אחד היוזמים העיקריים של הפרה-רפאליזם, גבריאל רוסטי. יופי, חבצלות, אלמנטים יוצאי דופן (עור זאב). הכל כמו שצריך.
אבל ויסלר התרחק מהר מהפרה-רפאליזם. שכן לא היופי החיצוני היה חשוב לו, אלא מצב הרוח והרגשות. והוא יצר כיוון חדש - טונליזם.
נופי הלילה שלו בסגנון הטונאליזם באמת נראים כמו מוזיקה. מונוכרום, צמיג.
ויסלר עצמו אמר ששמות מוזיקליים עוזרים להתמקד בציור עצמו, בקווים ובצבע. יחד עם זאת, מבלי לחשוב על המקום ועל האנשים המתוארים.
טונאליזם, כמו גם קרוב לזה אימפרסיוניזם, באמצע המאה ה-19, גם הציבור לא התרשם. רחוק מדי מהריאליזם הפופולרי באותה תקופה.
אבל לוויסלר יהיה זמן לחכות להכרה. עד סוף ימיו, עבודתו תקנה ברצון.
2. מרי קאסאט (1844-1926)
מרי קאסאט נולדה למשפחה עשירה. היא יכולה לחיות חיים חסרי דאגות. להתחתן ולהביא ילדים. אבל היא בחרה בדרך אחרת. לאחר שנתן לעצמו נדר של פרישות למען הציור.
היא הייתה חברה של אדגר דגה. הגיע ביום רביעי אימפרסיוניסטים, נסחף לנצח בכיוון הזה. ו"נערה בכורסה כחולה" שלה היא היצירה האימפרסיוניסטית הראשונה שהציבור ראה.
אבל אף אחד לא ממש אהב את התמונה. במאה ה-19, ילדים הוצגו כמלאכים יושבים בצייתנות, עם תלתלים מסולסלים ולחיים ורודות. והנה ילד שברור שמשעמם לו, יושב במצב נינוח מדי.
אבל הייתה זו מרי קאסאט, שמעולם לא היו לה ילדים משלה, שהיתה כמעט הראשונה שהציגה אותם טבעיים כמוהם.
לאותה תקופה, לקאסאט היה "פגם" רציני. היא הייתה אישה. היא לא יכלה להרשות לעצמה ללכת לבד לפארק לצייר מהטבע. במיוחד ללכת לבית קפה שבו התאספו אמנים אחרים. כל הגברים! מה נשאר לה?
כתבו מסיבות תה מונוטוניות של נשים בחדרי מגורים עם קמינים משיש וערכות תה יקרות. החיים מדודים ומשעממים עד אין קץ.
מרי קאסאט לא חיכתה להכרה. בהתחלה היא נדחתה בגלל האימפרסיוניזם שלה והציורים הבלתי גמורים כביכול. אז, כבר במאה ה-20, הוא היה "מיושן" בחדות, מכיוון שהארט נובו היה באופנה (קלימט) ופאוביזם (מאטיס).
אבל היא נשארה נאמנה לסגנון שלה עד הסוף. אימפרסיוניזם. פסטל רך. אמהות עם ילדים.
למען הציור, קאסאט נטשה את האימהות. אבל הנשיות שלה באה לידי ביטוי יותר ויותר דווקא ביצירות עדינות כמו Sleeping Child. חבל שחברה שמרנית העמידה אותה פעם לפני בחירה כזו.
3. ג'ון סרג'נט (1856-1925)
ג'ון סרג'נט היה בטוח שהוא יהיה צייר פורטרטים כל חייו. הקריירה עברה טוב. אריסטוקרטים עמדו בתור כדי להזמין אותו.
אבל פעם אחת חצה האמן את הגבול לדעת החברה. עכשיו קשה לנו להבין מה כל כך לא מקובל בסרט "מאדאם אקס".
נכון, בגרסה המקורית, לגיבורה הושמט אחד הברלטים. סרג'נט "גידל" אותה, אבל זה לא עזר למקרה. הפקודות לא הגיעו לשום דבר.
איזה מגונה ראה את הציבור? והעובדה שסרגנט גילם את הדוגמנית בפוזה בטוחה מדי. יתר על כן, עור שקוף ואוזן ורודה הם רהוטים מאוד.
התמונה, כביכול, אומרת שהאישה הזו עם מיניות מוגברת לא מתנגדת לקבל חיזור של גברים אחרים. יתר על כן, להיות נשוי.
לרוע המזל, מאחורי השערורייה הזו, בני זמננו לא ראו את יצירת המופת. שמלה כהה, עור בהיר, פוזה דינמית - שילוב פשוט שניתן למצוא רק על ידי המאסטרים המוכשרים ביותר.
אבל אין רע בלי טוב. סרג'נט קיבל בתמורה חופש. הוא התחיל להתנסות יותר באימפרסיוניזם. כתוב ילדים במצבים מיידיים. כך הופיעה העבודה "ציפורן, לילי, לילי, ורד".
סרג'נט רצה לתפוס רגע מסוים של דמדומים. אז עבדתי רק 2 דקות ביום כשהתאורה הייתה נכונה. עבד בקיץ ובסתיו. וכשהפרחים קמלו, הוא החליף אותם במלאכותיים.
בעשורים האחרונים, סרג'נט נכנס לטעם החופש עד כדי כך שהוא החל לנטוש את הפורטרטים לחלוטין. למרות שהמוניטין שלו כבר שוקם. הוא אפילו דחה לקוחה אחת בגסות ואמר שהוא יצייר את השער שלה בהנאה גדולה מהפנים שלה.
בני זמננו התייחסו לסרג'נט באירוניה. רואים בה מיושן בעידן המודרניזם. אבל הזמן שם הכל במקומו.
כעת עבודתו שווה לא פחות מעבודתם של המודרניסטים המפורסמים ביותר. ובכן, שלא לדבר על אהבת הציבור ואל תגיד כלום. תערוכות עם עבודותיו תמיד סולד אאוט.
4. נורמן רוקוול (1894-1978)
קשה לדמיין אמן פופולרי יותר במהלך חייו מאשר נורמן רוקוול. כמה דורות של אמריקאים גדלו על האיורים שלו. אוהב אותם בכל ליבי.
אחרי הכל, רוקוול גילם אמריקאים רגילים. אבל במקביל להראות את חייהם מהצד החיובי ביותר. רוקוול לא רצה להראות לא אבות מרושעים ולא אמהות אדישות. ולא תפגשו איתו ילדים אומללים.
עבודותיו מלאות בהומור, צבעים עסיסיים והבעות שנתפסו במיומנות רבה מהחיים.
אבל זו אשליה שהעבודה ניתנה לרוקוול בקלות. כדי ליצור ציור אחד, הוא היה מצלם תחילה עד מאה תמונות עם הדוגמניות שלו כדי ללכוד את המחוות הנכונות.
לעבודתו של רוקוול הייתה השפעה עצומה על מוחם של מיליוני אמריקאים. אחרי הכל, הוא דיבר לעתים קרובות בעזרת הציורים שלו.
במהלך מלחמת העולם השנייה, הוא החליט להראות על מה נלחמים חיילי ארצו. לאחר שיצרה בין השאר את הציור "חופש מרצון". בצורת חג ההודיה, עליו נהנים כל בני המשפחה, מאכילים ומרוצים מהחג המשפחתי.
לאחר 50 שנה ב"סאטרדיי איבנינג פוסט", עבר רוקוול למגזין "לוק" הדמוקרטי יותר, שם הצליח להביע את עמדותיו בנושאים חברתיים.
העבודה המבריקה ביותר של אותן שנים היא "הבעיה שאיתה אנו חיים".
זהו סיפורה האמיתי של ילדה שחורה שלמדה בבית ספר לבן. מאז התקבל חוק שאין לחלק יותר אנשים (ומכאן מוסדות חינוך) לפי קווים גזעיים.
אבל לכעסם של התושבים לא היה גבול. בדרך לבית הספר, הילדה נשמרה על ידי המשטרה. הנה רגע כזה "שגרתי" והראה את רוקוול.
אם אתה רוצה להכיר את החיים של האמריקאים באור מעט מקושט (כפי שהם עצמם רצו לראות אותם), הקפד להסתכל על הציורים של רוקוול.
אולי מכל הציירים המוצגים במאמר זה, רוקוול הוא האמן האמריקאי ביותר.
5. אנדרו וויית' (1917-2009)
בניגוד לרוקוול, ווית' לא היה כל כך חיובי. מתבודד מטבעו, הוא לא ביקש לייפות שום דבר. להיפך, הוא תיאר את הנופים הכי רגילים ודברים לא ראויים לציון. רק שדה חיטה, רק בית עץ. אבל הוא אפילו הצליח להציץ בהם משהו קסום.
יצירתו המפורסמת ביותר היא העולם של כריסטינה. וויית' הראה את גורלה של אישה אחת, שכנתו. לאחר שהייתה משותקת מילדותה, היא זחלה סביב החווה שלה.
אז אין שום דבר רומנטי בתמונה הזו, כפי שזה אולי נראה בהתחלה. אם אתה מסתכל מקרוב, אז לאישה יש רזון כואב. ובידיעה שרגליה של הגיבורה משותקות, אתה מבין בעצב כמה היא עדיין רחוקה מהבית.
במבט ראשון, ווית' כתב את השגרתי ביותר. הנה החלון הישן של הבית הישן. וילון עלוב שכבר התחיל להפוך לגזרים. מחוץ לחלון מחשיך היער.
אבל יש קצת מסתורין בכל זה. מראה אחר.
כך שילדים מסוגלים להסתכל על העולם במבט לא ממצמץ. כך גם וויאט. ואנחנו איתו.
כל ענייניו של ווית' טופלו על ידי אשתו. היא הייתה מארגנת טובה. היא זו שיצרה קשר עם מוזיאונים ואספנים.
הייתה מעט רומנטיקה במערכת היחסים שלהם. המוזיקה הייתה חייבת להופיע. והיא הפכה להלגה פשוטה, אבל בעלת מראה יוצא דופן. זה מה שאנחנו רואים בעבודות רבות.
נראה שאנו רואים רק תמונה מצלמת של אישה. אבל משום מה, קשה להתנתק מזה. העיניים שלה מורכבות מדי, כתפיה מתוחות. אנחנו, כביכול, מתאמצים איתה פנימית. מתקשה למצוא הסבר למתח הזה.
כשהיא מתארת את המציאות בכל פרט, העניק לה ווית' בקסם רגשות שלא יכולים להשאיר אדישה.
האמן לא הוכר במשך זמן רב. עם הריאליזם שלו, גם אם הקסום, הוא לא השתלב במגמות המודרניסטיות של המאה ה-20.
כשעובדי המוזיאון קנו את יצירותיו, הם ניסו לעשות זאת בשקט, מבלי למשוך תשומת לב. תערוכות אורגנו לעתים רחוקות. אבל לקנאתם של המודרניסטים, הם תמיד זכו להצלחה מסחררת. אנשים הגיעו בהמוניהם. והם עדיין באים.
קרא על האמן עם המאמר העולם של כריסטין. יצירת המופת של אנדרו ווית'."
6. ג'קסון פולוק (1912-1956)
אי אפשר להתעלם מג'קסון פולוק. הוא חצה קו מסוים באמנות, שאחריו הציור לא יכול להיות זהה. הוא הראה שבאופן כללי אפשר להסתדר בלי גבולות. כשהנחתי את הקנבס על הרצפה והתיזתי אותו בצבע.
והאמן האמריקאי הזה התחיל בהפשטה, שבה עדיין ניתן לאתר את הפיגורטיבי. ביצירתו משנות הארבעים "דמות קצרצרה" אנו רואים את קווי המתאר הן של הפנים והן של הידיים. ואפילו מובנים לנו סמלים בצורת צלבים ואפסים.
עבודתו זכתה לשבחים, אבל הם לא מיהרו לקנות. הוא היה עני כמו עכבר כנסייה. והוא שתה בלי בושה. למרות נישואים מאושרים. אשתו העריצה את כישרונו ועשתה הכל למען הצלחת בעלה.
אבל פולוק היה במקור אישיות שבורה. מנעוריו היה ברור ממעשיו שמוות מוקדם הוא גורלו.
השבר הזה כתוצאה מכך יוביל אותו למוות בגיל 44. אבל יהיה לו זמן לעשות מהפכה באמנות ולהתפרסם.
והוא עשה את זה בתקופה של שנתיים של פיכחון. הוא היה מסוגל לעבוד פורה בשנים 1950-1952. הוא התנסה במשך זמן רב עד שהגיע לטכניקת הטפטוף.
כשהוא מניח בד ענק על רצפת הסככה שלו, הוא הסתובב סביבו, כביכול בתמונה עצמה. וריסס או סתם שפך צבע.
הציורים יוצאי הדופן הללו החלו להיקנה ממנו ברצון בשל מקוריותם וחידושם המדהימים.
פולוק היה המום מהתהילה ונפל לדיכאון, לא הבין לאן ללכת הלאה. התערובת הקטלנית של אלכוהול ודיכאון לא הותירה לו סיכוי לשרוד. פעם אחת הוא עלה על ההגה שיכור מאוד. פעם אחרונה.
7. אנדי וורהול (1928-1987)
רק במדינה עם פולחן צריכה שכזה, כמו באמריקה, יכלה להיוולד פופ ארט. והיזם העיקרי שלה היה, כמובן, אנדי וורהול.
הוא התפרסם בכך שלקח את הדברים הכי רגילים והפך אותם ליצירת אמנות. זה מה שקרה לפחית המרק של קמפבל.
הבחירה לא הייתה מקרית. אמו של וורהול האכילה את בנה במרק הזה כל יום במשך יותר מ-20 שנה. גם כשעבר לניו יורק ולקח איתו את אמו.
לאחר הניסוי הזה, וורהול החל להתעניין בהדפסת מסך. מאז, הוא צילם תמונות של כוכבי פופ וצייר אותם בצבעים שונים.
כך הופיעה המצוירת המפורסמת שלו מרילין מונרו.
נוצרו מספר עצום של צבעי חומצה מרלין כאלה. ארט וורהול העלה לזרם. כצפוי בחברה צרכנית.
פרצופים מצוירים הומצאו על ידי וורהול מסיבה כלשהי. ושוב, לא בלי השפעת האם. בילדותה, במהלך מחלה ממושכת של בנה, היא גררה לו חבילות של חוברות צביעה.
תחביב הילדות הזה צמח למשהו שהפך לכרטיס הביקור שלו והפך אותו לעשיר להפליא.
הוא צייר לא רק כוכבי פופ, אלא גם את יצירות המופת של קודמיו. הבנתי ו "ונוס" בוטיצ'לי.
ונוס, כמו מרילין, עשתה הרבה. הבלעדיות של יצירת אמנות "מוחקת" על ידי וורהול לאבקה. למה האמן עשה את זה?
לעשות פופולריות של יצירות מופת ישנות? או להיפך, לנסות להפחית בערכם? להנציח כוכבי פופ? או לתבל את המוות באירוניה?
יצירותיו המצוירות של מדונה, אלביס פרסלי או לנין ניתנות לזיהוי לפעמים יותר מהתמונות המקוריות.
אבל יצירות המופת לא יהיו בצל. יחד עם זאת, "ונוס" הקדמונית נותרה יקרה מפז.
וורהול היה חובב מסיבות נלהב, ומשך אליו הרבה מנודים. מכורים לסמים, שחקנים כושלים או סתם אישים לא מאוזנים. אחד מהם ירה בו פעם.
וורהול שרד. אבל כעבור 20 שנה, עקב תוצאות פצע שסבל פעם, הוא מת לבדו בדירתו.
כור היתוך בארה"ב
למרות ההיסטוריה הקצרה של האמנות האמריקאית, הטווח רחב. בין האמנים האמריקאים יש אימפרסיוניסטים (Sargent), וריאליסטים מאגיים (Wyeth), ואקספרסיוניסטים מופשטים (פולוק), וחלוצי הפופ-ארט (Warhol).
ובכן, האמריקאים אוהבים חופש בחירה בכל דבר. מאות עדות. מאות אומות. מאות כיווני אמנות. זו הסיבה שהוא כור ההיתוך של ארצות הברית של אמריקה.
* טונאליזם - נופים מונוכרומטיים של גוונים אפורים, כחולים או חומים, כאשר התמונה היא כמו בערפל. הטונאליזם נחשב לנצר של האימפרסיוניזם, שכן הוא מעביר את התרשמותו של האמן ממה שראה.
***
תגובות קוראים אחרים ראה למטה. לעתים קרובות הם מהווים תוספת טובה למאמר. אתה יכול גם לחלוק את דעתך על הציור והאמן, כמו גם לשאול את המחבר שאלה.
גרסה אנגלית של המאמר
השאירו תגובה